20 artistes qui ont volé d’autres artistes

Roy Lichtenstein a bâti sa renommée sur des répliques quasi exactes de planches de bandes dessinées, notamment de Tony Abruzzo. Son tableau Whaam ! de 1963 reprend une scène de All-American Men of War. Malgré les accusations, il a soutenu que le changement d’échelle et de contexte justifiait l’œuvre.

Bien avant qu’elle ne soit exposée dans les musées, l’affiche « Hope » de Shepard Fairey a été tracée à partir d’une photo d’actualité de Mannie Garcia. Il a d’abord nié la source, avant d’avouer et d’être poursuivi en justice par l’Associated Press. L’affaire s’est terminée par un accord et des dommages financiers.

Jeff Koons a perdu de nombreux procès pour avoir copié des photographies et des œuvres d’art existantes sans autorisation. L’une des affaires les plus importantes concerne String of Puppies, une reproduction directe d’une photo d’Art Rogers. Bien que Koons ait défendu son approche en la qualifiant de satirique, les tribunaux lui ont toujours donné tort.

Les licences n’entraient pas en ligne de compte dans le processus créatif d’Andy Warhol, qui réutilisait des photos de presse et de publicité dans ses sérigraphies, y compris des clichés très connus de Marilyn Monroe et d’Elvis Presley. De plus, il a produit plus de 160 versions presque identiques de certaines images, en changeant à peine la couleur et l’emplacement.

La sculpture de crâne de Damien Hirst, For the Love of God, fait fortement écho à la pièce de crâne de John LeKay de 1993. Cela lui a valu d’être accusé à maintes reprises de reprendre à son compte les idées d’autrui. Pour ajouter à la critique, Hirst fait appel à une équipe pour produire la plupart de ses œuvres d’art, ce qui l’éloigne encore plus de la création pratique.

En rephotographiant des publicités Marlboro et en transformant des selfies Instagram en pièces de galerie à prix élevé, Richard a entièrement ignoré la permission. Il est intéressant de noter que l’une de ses photos de cow-boy retravaillées, Untitled (Cowboy), s’est vendue pour plus d’un million de dollars, sans que le photographe original ne soit crédité.

Les œuvres textiles de Tracey Emin ont souvent été comparées aux travaux antérieurs de Louise Bourgeois. Sa célèbre installation, Everyone I Have Ever Slept With 1963-1995, suit un format confessionnel similaire aux pièces de Bourgeois. Si Emin a d’abord prétendu qu’elle ignorait l’héritage textile de Bourgeois, elle a par la suite reconnu le chevauchement.

Commencez par L’île des morts de Böcklin, et vous comprendrez d’où les paysages de rêve de Dalí tirent leur architecture hantée. Son utilisation du symbolisme classique et des motifs de crânes reflète étroitement le travail des premiers surréalistes. Il a même admis avoir volé des idées en prétendant les avoir améliorées.

Les motifs à pois, profondément associés à Yayoi Kusama, apparaissent dans l’œuvre de Murakami avec une similitude indubitable. S’inspirant des tendances de la culture pop, il a bâti sa carrière sur des collaborations avec des marques qui ont brouillé la frontière entre l’art et la marchandise. Plus tard, Kusama l’a accusé de commercialiser ses souffrances personnelles.

La technique du texte sur image n’était pas nouvelle lorsque Kruger est devenu célèbre, puisque les Truisms de Jenny Holzer en avaient déjà posé les bases. Pourtant, l’influence de Jenny Holzer n’a jamais été reconnue. Et tandis que Holzer diffusait ses messages dans les espaces publics, Kruger gardait les siens dans les limites des galeries.

Les figures déformées des derniers portraits de Freud portent le poids émotionnel que l’on retrouve depuis longtemps dans l’œuvre de Francis Bacon. Freud admet ouvertement avoir appris en « regardant Bacon peindre », absorbant des techniques qui ne tardent pas à apparaître dans ses propres toiles. Cette influence n’est pas du goût de Bacon, qui considère le virage stylistique de Freud comme une trahison.

L’utilisation par Ai Weiwei de ready-made, tels que des antiquités modifiées et des objets trouvés, reflète l’approche de Marcel Duchamp. Comme le montre sa performance Dropping a Han Dynasty Urn, il suit une voie similaire en utilisant la destruction pour provoquer.

Les figures emblématiques de Keith Haring doivent beaucoup au style de Jean Dubuffet, qui s’est imposé dans de grandes institutions comme le MoMA bien avant que Haring ne s’impose. Il a également emprunté à l’art rupestre africain et à l’énergie grinçante des graffitis du métro.

Bien avant que les peintures sur plaque de Julian ne fassent la une des journaux, Antoni Tàpies superposait avec une intensité tranquille les gravillons, les textures et les surfaces brisées. Et malgré des influences évidentes, sa bravade publique a souvent occupé le devant de la scène, laissant à l’arrière-plan la subtile lignée de ses matériaux.

Richard Serra s’est fait connaître par ses immenses sculptures en acier, mais le travail de base avait déjà été réalisé par le sculpteur minimaliste Tony Smith. Les deux artistes ont transformé l’acier brut en sculpture sérieuse, mais Serra s’est positionné comme un innovateur plutôt que comme un héritier.

Dans les années 1970, Eleanor Antin mettait en scène des autoportraits qui brouillaient l’identité et la performance, abordant des thèmes féministes avec des costumes et des personnages construits. Lorsque les Untitled Film Stills de Sherman gagnent en popularité, ils semblent familiers à Antin, qui admettra plus tard avoir « reconnu son propre travail » dans la série.

Elaine Sturtevant a reproduit des recréations de Warhol, Duchamp et Lichtenstein. À l’époque, beaucoup la considéraient comme une faussaire plutôt que comme une artiste conceptuelle, ce qui n’était pas du tout le cas. Même Warhol a admis : « Elle le fait mieux que moi », mais ses œuvres se sont vendues pour une fraction du prix des originaux.

Dans une démarche qui a suscité des comparaisons avec Gerhard Richter, Thomas a pris des images explicites et les a retravaillées avec juste assez de distance pour susciter des sourcils et des débats dans le monde de l’art. Il s’est ensuite tourné vers le cosmos : il a plongé dans les archives de la NASA, retouchant à peine leurs vastes images célestes avant de se les approprier.

Les croquis anatomiques de Jean-Michel Basquiat sont tirés de Gray’s Anatomy, les symboles sont enracinés dans l’héritage africain et caribéen, et les bribes lyriques sont empruntées aux poètes qu’il admire. Ses années de graffiti dans le centre de New York ont été clairement marquées par la foule créative qu’il côtoyait, mais son ascension a été rapide.

Lorsque Picasso a rencontré pour la première fois des masques tribaux africains au Musée d’ethnographie du Trocadéro, un déclic s’est produit et Les Demoiselles d’Avignon sont nées. Cependant, Picasso n’accordait que rarement du crédit à l’art africain, le qualifiant de « magique » plutôt que d’en reconnaître le caractère artistique.