20 musiciens qui ont marqué le rock’n’roll plus qu’Elvis

Berry ne se contentait pas de jouer de la guitare ; il a appris au rock à parler. Ses riffs sont devenus un modèle, son style narratif a façonné les paroles, son sens du swing a donné le rythme au genre, et tous les artistes pop ou rock de l’époque le savaient (c’est pourquoi ils reprenaient tous ses chansons). Lorsque vous entendez une intro de guitare brillante et percutante qui semble vous sourire, c’est l’ADN de Berry.

Il a transformé le volume en personnalité et a fait du « trop » l’essence même de son art. Ces accords de piano martelés, ces cris vocaux et ce tempo effréné constituent en quelque sorte le système nerveux du rock. Des groupes tels que Led Zeppelin, Deep Purple et Aerosmith, célèbres pour leurs voix hurlantes, lui doivent beaucoup.

Domino a apporté un style pianistique mélodique et fluide qui a donné au rock des débuts une touche chaleureuse plutôt que simplement sauvage. Son rythme et son groove ont contribué à faire passer le R&B au rock pop sans en gâcher le plaisir. Son influence est perceptible dans la façon dont le rock a appris à danser, et non plus seulement à taper du pied. Il a prouvé que le rock pouvait être à la fois suave et percutant.

Le « Bo Diddley beat » est l’un de ces rythmes qui, une fois que vous le reconnaissez, vous semble omniprésent. Il est entraînant, syncopé et étrangement addictif, comme s’il vous mettait au défi de ne pas bouger. Il a fait du rythme l’attraction principale, donnant au rock une grande partie de son arrogance.

Waters a électrisé le blues et, ce faisant, a dynamisé l’avenir du rock. Son son amplifié, son format de groupe et sa présence vocale brute sont devenus un modèle pour les groupes de rock qui voulaient allier puissance et caractère. L’explosion du rock britannique est imprégnée de l’influence brute et déformée de Muddy.

Wolf avait une voix qui ressemblait à un coup de tonnerre humain, et depuis, les chanteurs de rock cherchent à reproduire ce genre d’autorité. Sa voix n’était pas « belle », mais elle était inoubliable, ce qui est une qualité bien plus utile dans le rock. Il a montré que le caractère vocal importait plus que le raffinement.

Même avec un catalogue limité, le phrasé à la guitare et les compositions de Johnson hantent le rock comme un fantôme bienveillant. Son mélange de rythme et de mélodie laissait entrevoir ce qu’un seul guitariste pouvait accomplir sans grand groupe. Le rock ne l’a pas copié note pour note, mais plutôt absorbé son ambiance et son mythe. Il a contribué à rendre inévitable l’idée du guitar hero.

Les cris retentissants et le rythme jump blues de Turner donnaient au rock des débuts l’ambiance d’une fête endiablée. Il a apporté le swing de l’ère des big bands dans un format plus brut et plus percutant qui a fait le succès du rock. Son style vocal a contribué à définir le style « belt it out » (chanter à pleine voix) que les chanteurs de rock ont ensuite adopté. On l’entend chaque fois que le rock semble défier la salle de suivre le rythme.

Harris interprétait le R&B avec un clin d’œil, un grognement et beaucoup d’attitude. Ses phrases suggestives et sa voix percutante contribuaient à donner le ton à un rock plus séducteur et plus effronté. La musique ne cherchait pas à être respectable, et lui non plus. Ce sens de la malice est un ingrédient essentiel du rock.

En tant que leader de groupe et guitariste, il a contribué à renforcer l’intensité rythmique et l’approche studio du rock des débuts. Son jeu mettait l’accent sur le mordant et l’élan, deux éléments dont le rock n’a jamais cessé d’avoir besoin. Le plus important, c’est le son : des grooves serrés, des contours nets et une sensation d’élan vers l’avant.

Holly a contribué à définir la configuration classique d’un groupe de rock : des guitares au premier plan, des morceaux bien ficelés et des refrains qui ne vous font pas perdre votre temps. Il a composé et enregistré de manière à s’inscrire directement dans la lignée de la composition rock moderne. Si vous aimez les mélodies épurées associées à une énergie crunchy, vous êtes dans son univers.

Perkins a donné au rockabilly son mordant caractéristique à la guitare et a contribué à définir comment le rock pouvait swinguer avec des accents country. Son style de jeu et son punch rythmique ont montré comment rendre une guitare à la fois percussive et mélodique. Plus tard, les musiciens de rock ont emprunté ce style lorsqu’ils voulaient obtenir un son brut sans lourdeur. Il a toujours privilégié la simplicité, la rapidité et la précision.

Lewis jouait du piano avec une telle fougue que les gens pouvaient se demander s’il allait bien. Il a apporté le chaos, le charisme et le danger dans le domaine de la performance rock d’une manière qui est devenue un archétype durable. Son énergie donnait l’impression que « rock star » était un mode de vie, et pas seulement un métier. On retrouve son empreinte chez tous ceux qui considèrent la scène comme un sport de contact.

Ils n’ont pas inventé le rock, mais ils ont élargi sa palette sonore de manière si radicale que le genre n’est jamais revenu en arrière. Leurs expérimentations en studio, leur répertoire varié et leur volonté de se réinventer ont permis au rock d’évoluer délibérément. Si vous attendez des albums rock qu’ils vous offrent des ambiances, des textures et des surprises, remerciez-les. Ils ont rendu la « pop intelligente » compatible avec l’ambition rock.

Les Stones ont repris le rock basé sur le blues et l’ont rendu plus agressif, plus libre et plus audacieux. Leur style privilégiait le groove et l’assurance plutôt que la propreté, ce qui est devenu une valeur importante du rock. Ils ont également contribué à définir comment un groupe de rock pouvait avoir un son dangereux tout en restant entraînant.

Hendrix a révolutionné les possibilités offertes par la guitare électrique, point final. Le larsen, le fuzz, la wah-wah et les effets studio sont devenus des outils d’expression plutôt que des accidents à éviter. Il ne se contentait pas de jouer des solos, il peignait avec le son.

Les batteurs, guitaristes et bassistes de rock ont beaucoup emprunté à l’obsession de Brown pour le rythme. Ses grooves précis et l’importance qu’il accordait au « one » (le premier temps de la mesure) ont contribué à façonner le funk, qui a ensuite influencé le rock pendant des décennies. Même les groupes de hard rock ont tiré des leçons de sa discipline et de son punch.

Sly a brouillé les frontières entre les genres et a réuni le rock, le funk et la soul sur la même piste de danse. Son approche de l’arrangement, du groove et de la dynamique du groupe a contribué à élargir les horizons du rock sans lui faire perdre son caractère unique. Il a également normalisé l’idée que le rythme peut véhiculer le message autant que les paroles. Une grande partie du rock « funky » qui a suivi lui doit beaucoup.

Dans les années 1940, Louis Jordan et son groupe Tympany Five transformaient le jump blues en un son festif, rapide et amusant, rythmé par des riffs, et le rock’n’roll s’est largement inspiré de ce modèle. Ses chansons s’appuyaient sur des tubes entraînants, des refrains accrocheurs et des paroles qui semblaient plus conversationnelles que formelles. On peut entendre les racines du backbeat dansant et des refrains entraînants du rock dans la façon dont il arrangeait et interprétait ses morceaux.