Les 20 meilleures époques musicales de l’histoire

Au XVIIIe siècle, les symphonies et la musique orchestrale ont acquis une nouvelle clarté et un nouvel ordre. Wolfgang Amadeus Mozart et Joseph Haydn se sont éloignés des mouvements exagérés de l’époque baroque pour adopter des mélodies plus légères, facilement accessibles au grand public. La musique classique a ainsi instauré des règles de composition qui ont fait leurs preuves au fil du temps.

Des rythmes swing entraînants et une attitude libre d’esprit ont marqué la vie nocturne américaine après la Première Guerre mondiale. Le jazz a conquis le grand public grâce à ses cuivres endiablés et à ses rythmes agréablement décalés. Des musiciens emblématiques comme Louis Armstrong ont placé l’improvisation et les morceaux dansants et festifs au premier plan de la musique ; alors, la prochaine fois que vous écouterez un morceau entraînant, pensez aux « années folles ».

Les œuvres de cette époque sont réputées pour leur faste et leur grandeur. Bach et Vivaldi ont composé des concertos d’une incroyable complexité qui repoussaient les limites de la dextérité humaine. L’apparition du clavecin a apporté une nouvelle dimension à la texture musicale, qui allait influencer la musique classique pendant des générations.

Les guitares électriques ont pris vie avec fracas, mêlant des éléments de musique country et de blues pour donner naissance à une nouvelle forme rebelle de rock’n’roll. Des groupes comme Bill Haley & His Comets et Elvis Presley ont dominé le marché avec leurs chansons énergiques, qui ont véritablement séduit la jeunesse de l’époque. Cela a complètement bouleversé les normes de la pop, alors jugées trop convenables et prévisibles, de cette décennie.

Au XIXe siècle, les compositeurs ont orienté leur musique vers un expressionnisme passionné. De nombreux auteurs-compositeurs ont puisé leur inspiration dans des événements historiques, des récits mythiques et la beauté des paysages. Des musiciens célèbres tels que Piotr Ilitch Tchaïkovski et Frédéric Chopin ont composé des œuvres qui se sont faites le vecteur d’émotions brutes.

Des groupes de rock anglais ont envahi les classements du monde entier avec leurs guitares puissantes et leurs mélodies entraînantes. Des groupes tels que les Beatles et les Rolling Stones comptent parmi les meilleurs auteurs-compositeurs de l’histoire de l’humanité. Ce mouvement a popularisé le concept du groupe de rock et a ouvert la voie aux artistes qui allaient suivre.

Produite entre 1988 et 1994, la musique hip-hop a atteint de nouveaux sommets de créativité durant cette période. Les artistes samplaient souvent d’anciens disques de funk pour en extraire des rythmes de basse puissants et créer des structures permettant aux rappeurs de raconter des histoires époustouflantes. Public Enemy et A Tribe Called Quest sont des groupes légendaires, connus pour leurs paroles emblématiques.

Motown était une maison de disques qui mélangeait les genres et attirait sur les pistes de danse des personnes de toutes les origines ethniques. Des groupes comme The Supremes et Stevie Wonder ont créé une musique soul aux refrains entraînants qui a dominé les classements. Le « son Motown » faisait largement appel à la guitare basse et abordait des thèmes tels que l’amour et l’espoir.

Des gens venus du monde entier ont mis leurs soucis de côté pour danser sur de la musique disco. Des artistes de premier plan, tels que Gloria Gaynor et les Bee Gees, ont contribué à faire du disco l’un des genres musicaux les plus populaires de la décennie. Bon nombre de morceaux de ce genre sont axés sur les instruments et se caractérisent par un son « soft pad ».

Après que le glam metal kitsch eut dominé la fin des années 80, de nombreux musiciens de rock sont revenus aux racines brutes et « DIY » de leur musique. Des groupes tels que Nirvana et Soundgarden ont composé des chansons sur le désespoir et la colère, reflétant ainsi les sentiments de toute une génération. Les musiciens grunge ont remis au goût du jour les guitares électriques bruyantes et les coiffures hérissées.

Entre les années 1400 et 1600, les compositeurs ont découvert une nouvelle forme de beauté dans les harmonies vocales complexes. Des mouvements musicaux polyphoniques ont fait leur apparition, caractérisés par l’exécution simultanée de plusieurs mélodies. Cela marque le moment historique où les musiciens ont commencé à explorer délibérément la manière dont différentes progressions d’accords pouvaient influencer les émotions humaines.

Les artistes pop ont commencé à utiliser des synthétiseurs et des boîtes à rythmes pour façonner l’avenir de la musique pop. Des groupes tels que Depeche Mode ont été les pionniers de l’utilisation des synthétiseurs et ont perfectionné la tonalité émotionnelle de la musique pop des années 80. La synth-pop a eu une grande influence sur la musique électronique moderne.

Au début du XXe siècle, le blues a ouvert la voie au jazz, au rock, à la country et à de nombreux autres genres musicaux qui allaient voir le jour par la suite. Les chanteurs racontaient souvent des histoires tirées de leur passé tout en s’accompagnant à la guitare. Aujourd’hui, écouter ces premiers enregistrements sur le terrain permet aux auditeurs d’entrer en contact direct avec les racines brutes et authentiques de l’expression musicale moderne.

Dans les années 70, la musique rock semblait repousser les limites de ce que la musique pouvait techniquement être. Des groupes comme Rush et Yes composaient des morceaux impossibles à jouer en concert en raison de leur grande complexité. Les thèmes abordés, inspirés de l’imaginaire, de l’espace et de la science-fiction, permettaient aux artistes de donner libre cours à leur imagination.

Au début des années 1970, une véritable explosion de théâtralité, de haute couture et de performances brouillant les frontières entre les genres a dominé le paysage du rock’n’roll. Des pionniers tels que David Bowie et T. Rex ont prouvé que la mise en scène d’un artiste musical était tout aussi essentielle que les chansons qu’il enregistrait. Ils ont su associer des riffs de guitare percutants et entraînants à des costumes extravagants, un maquillage pailleté et des alter ego de science-fiction hors du commun qui ont captivé le public du monde entier.

Au tournant du XXe siècle, des compositeurs visionnaires comme Claude Debussy ont décidé de rejeter les structures harmoniques traditionnelles allemandes pour s’essayer à quelque chose de totalement expérimental. Inspirés par les artistes plasticiens, ils ont utilisé des gammes inhabituelles et des accords riches et flous pour créer une atmosphère vivante, empreinte de lumière et de mouvement, plutôt qu’un récit rigide. Les œuvres pour piano et orchestre qui en ont résulté donnaient une impression incroyable de fluidité, de rêve et d’une belle absence de structure.

Un groupe d’auteurs-compositeurs-interprètes farouchement indépendants en a eu ras-le-bol des sons pop lisses et surproduits issus des studios d’enregistrement commerciaux de Nashville. Des artistes comme Waylon Jennings et Willie Nelson ont délocalisé leurs activités au Texas, retrouvant ainsi leur liberté créative et revenant à un son brut, typique des « honky-tonks ». Ils y ont insufflé une bonne dose d’esprit rock’n’roll et des textes d’une honnêteté brutale.

Une véritable tempête sonore, composée de trois accords seulement, a jailli des clubs underground de New York et de Londres pour bouleverser complètement le monde de la musique grand public. Lassés par les concerts grandioses et excessifs des stades, des groupes d’adolescents ont ramené le rock à l’essentiel, avec des rythmes endiablés et des paroles engagées. Ce fut un séisme culturel bref et chaotique qui a bouleversé à jamais la mode, les mentalités et la musique indépendante.

À la fin des années 60 et au début des années 70, Los Angeles a été envahie par des chansons sereines et riches en mélodies. Des groupes tels que les Beach Boys composaient des morceaux que l’on ne peut s’empêcher de chanter en roulant sur l’autoroute. Ce genre musical se caractérisait par des rythmes doux et des textes narratifs.

Alors que le monde entrait dans un nouveau millénaire, le garage rock et le dance punk ont refait leur apparition sur scène. Des groupes comme The Strokes ont su capturer ce son de guitare brut que tout le monde adore, tout en y intégrant des rythmes dance puissants. Cette musique aide les nouveaux groupes à prendre conscience que toutes les chansons n’ont pas besoin d’être parfaites.