20 petits boulots du monde du spectacle qui ont disparu avant l’avènement de la télévision

Au cours des décennies comprises entre les années 1830 et les années 1950, on pouvait voir des maîtres de piste comme William Heckler dans les fêtes foraines et les « dime museums », le nez penché au-dessus de loupes. Heckler attachait des puces humaines à de minuscules canons et chars à l’aide d’un fil d’or plus fin qu’un cheveu. Les puces n’étaient pas dressées. Heckler laissait simplement les coups de pattes des insectes animer le spectacle, nourrissant sa troupe directement sur son bras. Les cirques de puces ont disparu grâce à une meilleure hygiène, à des insecticides plus efficaces et à l’avènement de la télévision.

George Gershwin a commencé à travailler pour l’éditeur de Tin Pan Alley Jerome H. Remick & Co. à l’âge de 15 ans, en 1914. Il gagnait 15 dollars par semaine en jouant du piano, faisant partie de ces nombreux « pluggers » dont le métier consistait à interpréter de nouveaux morceaux dans les magasins de musique et les grands magasins afin d’inciter les clients à acheter des partitions, car les enregistrements à domicile étaient encore difficiles à trouver. Même Irving Berlin avait occupé un tel poste avant d’accéder à la célébrité. Mais la radio, le vinyle et la télévision ont fini par se conjuguer pour rendre les partitions presque sans valeur.

Dans les cinémas japonais, de la fin des années 1890 jusqu’aux années 1930, les films muets étaient tout sauf muets. Un conteur, ou « benshi », se tenait à côté de l’écran et racontait les dialogues de chaque personnage. Le benshi expliquait l’intrigue, comblait les lacunes et fournissait le contexte culturel. Les meilleurs benshi devinrent plus célèbres que les stars qu’ils accompagnaient à l’écran. En réalité, c’est précisément la renommée de ces grands benshi qui explique pourquoi les films parlants ne furent pleinement adoptés par les cinéphiles japonais qu’au milieu des années 1930. Les films parlants finirent par rendre les benshi obsolètes, et la télévision acheva leur disparition.

Pendant l’âge d’or de la radio (de la fin des années 1920 au début des années 1950), les ingénieurs du son travaillaient directement avec les comédiens devant le micro et créaient de toutes pièces, à la volée, des univers sonores complets : ils piétinaient des noix de coco pour imiter le galop des chevaux, secouaient des feuilles de fer-blanc pour reproduire le grondement du tonnerre, tordaient du cellophane pour simuler le crépitement d’un feu, ou encore claquaient de petites portes. Avant cela, en octobre 1921, un animateur de WJZ nommé Thomas Cowan fut le premier à être crédité pour un effet sonore : il cassa des allumettes en bois pour reproduire le bruit d’une batte frappant une balle. La télévision et les bibliothèques d’effets sonores finirent par sonner le glas du métier des effets sonores en direct hors scène.

Des années 1880 aux années 1930, on voyait quotidiennement dans les rues des villes d’Amérique du Nord et d’Europe des joueurs d’orgue de Barbarie qui interprétaient des airs populaires en actionnant à la main la manivelle de leur orgue de Barbarie, tandis qu’un singe capucin dressé, vêtu d’un gilet, récoltait les pièces auprès des passants. Le maire de New York, Fiorello La Guardia, a supprimé les licences des joueurs d’orgue de Barbarie dans la ville en 1935, avec effet à partir de 1936. Avec l’avènement de la radio domestique, puis de la télévision, qui offraient de la musique gratuite, les joueurs d’orgue de Barbarie ont disparu des rues au milieu du siècle.

Des années 1910 aux années 1950, le comique vedette de chaque théâtre burlesque était surnommé le « Top Banana ». Il travaillait aux côtés d’un « Second Banana » et d’un « Third Banana », présentant de courts sketchs burlesques entre les numéros de la troupe. Milton Berle et Phil Silvers ont tous deux fait leurs débuts en tant que « Top Bananas » dans le burlesque avant de se tourner vers la télévision. La censure locale, associée à la concurrence de la télévision, a fini par entraîner la fermeture de la plupart des salles de burlesque au cours des années 1940 et 1950. Ce métier de scène a disparu, mais ce genre particulier de comédie a survécu dans les premières émissions de variétés télévisées.

Des années 1840 aux années 1950, les spectacles de minstrels américains comptaient deux comiques de fond de scène nommés Tambo et Bones. Ils étaient assis aux côtés de l’« Interlocuteur », qui occupait officiellement le centre de la scène en tant que maître de cérémonie et leur fournissait les répliques comiques. Malheureusement, ces personnages s’inspiraient de la tradition scénique raciste du « minstrel show », dans laquelle les Noirs étaient fortement caricaturés. Avec les progrès des droits civiques, le rejet croissant de ce stéréotype par le public et les normes de diffusion télévisuelle du milieu du XXe siècle, ces deux personnages ont disparu dans les années 1950.

À l’époque de l’âge d’or d’Hollywood, des années 1920 aux années 1940, ces grands cinémas pouvaient accueillir des milliers de personnes à la fois. Les responsables de salle faisaient appel à des placeuses et placeurs en uniforme, munis de lampes de poche et entraînés comme des soldats, pour guider les spectateurs vers leurs places sans aucun désordre ni retard. Lorsque la télévision a détourné le public des salles de cinéma dans les années 1950, bon nombre de ces grands cinémas ont soit fermé leurs portes, soit réduit leur personnel de salle à une seule personne. C’est ainsi que les placeuses et placeurs ont disparu.

Des années 1900 aux années 1960, des troupes itinérantes de spectacles sous chapiteau, comme les « Bisbee’s Comedians », parcouraient les villes du Midwest et du Sud des États-Unis. Leur attraction principale était toujours le même personnage, Toby, un péquenaud aux cheveux roux et aux taches de rousseur qui parvenait toujours à déjouer les citadins. Et il n’y avait pas qu’un seul Toby. De nombreux artistes différents ont incarné ce rôle au fil des décennies. Lorsque la télévision a lancé des séries humoristiques sur le thème de la vie rurale, comme The Beverly Hillbillies et The Andy Griffith Show, les spectacles sous chapiteau ont disparu.

Des années 1870 aux années 1940, des spectacles itinérants de remèdes faisaient leur apparition dans les villages ruraux à bord de charrettes tirées par des chevaux. Ils recrutaient des joueurs de banjo, des comédiens et des magiciens pour offrir des spectacles gratuits. Une fois le public rassemblé, le bonimenteur prenait le relais et tentait de vendre ses produits. Il proposait des toniques et des élixirs brevetés, des mixtures non testées à base d’alcool, d’herbes et d’eau aromatisée, commercialisées comme des remèdes miracles. Dans les années 1950, ces spectacles avaient disparu en raison du durcissement de la législation sur les aliments et les médicaments, ainsi que de la popularité de la télévision, qui proposait des émissions humoristiques gratuites et diffusait des publicités payantes pour les médicaments.

Des années 1830 aux années 1940, les « showboats », ces péniches remorquées par des bateaux à vapeur, ont permis de faire découvrir des mélodrames et des revues musicales en direct aux petites villes isolées situées le long du Mississippi, de l’Ohio et du Missouri. Les artistes vivaient directement à bord des bateaux et annonçaient leur arrivée en jouant de la calliope à vapeur avant le début du spectacle. Les routes goudronnées, les cinémas et la télévision ont fini par sonner le glas de ces bateaux de spectacle itinérants. Le dernier d’entre eux, le Goldenrod, a continué à présenter des spectacles réguliers jusque dans les années 1940.

En 1904, l’agent artistique Keith Vawter commença à organiser des tournées de « Chautauquas » dans les petites villes américaines. Ces tournées amenaient une caravane de conférenciers, de musiciens classiques et d’artistes devant des millions d’Américains vivant en milieu rural, sous de grands chapiteaux en toile, leur offrant des conférences et des lectures théâtrales auxquelles ils n’auraient pas eu accès autrement. La Grande Dépression a mis cette activité à rude épreuve, et l’ensemble du circuit itinérant s’est effondré en 1932. La radio dans les années 1930, puis la télévision, ont offert aux gens des divertissements similaires gratuitement, directement chez eux. Le circuit n’a jamais connu de véritable renaissance.

Du XVIIIe siècle jusqu’aux années 1910, les lanternistes parcouraient les théâtres et les salles de spectacle avec leurs lanternes, des appareils optiques utilisant comme sources lumineuses des flammes à l’huile ou la lumière de la chaux. Lors des spectacles fantomatiques de « phantasmagorie », les lanternistes plaçaient leurs lanternes sur des chariots à roulettes derrière des écrans de fumée ou des rideaux de gaze, puis faisaient rouler ces chariots vers le public, donnant ainsi l’impression que les squelettes et les démons peints grandissaient et s’envolaient vers les spectateurs. Les spectacles de lanternes n’utilisaient pas de pellicule. Ils recouraient à des diapositives en verre peintes à la main. Le cinéma (dans les années 1890), puis la télévision, ont sonné le glas de l’art du spectacle de lanternes en direct.

Les conférences stéréoscopiques, qui se sont tenues des années 1880 aux années 1920, ont été les précurseurs des documentaires de voyage. C’est Burton Holmes qui a véritablement été le pionnier du récit de voyage. Il parcourait les villes avec son stéréoscope (une lanterne de projection à deux objectifs) qui lui permettait d’enchaîner par fondu enchaîné des diapositives sur verre colorées à la main tout en racontant ses expériences sur scène. Les actualités cinématographiques, les documentaires sonores et même les émissions de voyage diffusées à la télévision allaient mettre fin à ce spectacle que constituaient les conférences en direct.

Bien avant qu’il ne devienne facile d’enregistrer sa propre musique pour la réécouter, on pouvait écouter n’importe quelle chanson chez soi grâce à un pianola ou un piano mécanique. Ces appareils jouaient des notes de musique à partir de rouleaux de papier perforés. Des musiciens jouaient au clavier, puis des perforateurs transposaient l’interprétation en perforations sur les rouleaux de papier, en codant manuellement chaque note, chaque tempo et chaque nuance. Certains pianistes parmi les plus célèbres, comme George Gershwin, ont enregistré plus de 140 rouleaux de piano entre 1916 et 1927, tandis que des éditeurs tels que Frank Milne perçaient à la main les rouleaux de papier. Mais lorsque la radio, puis les phonographes et enfin la télévision ont permis d’enregistrer et de reproduire facilement la musique, la perforation des rouleaux est tombée dans l’oubli.

À l’âge d’or de la radio (de la fin des années 1920 au début des années 1950), les feuilletons diffusés en journée faisaient appel au talent d’organistes en direct en studio (comme Jesse Crawford) pour accompagner les représentations : ceux-ci observaient les acteurs au micro et jouaient des passages émouvants et des accords de suspense, le tout pendant que le drame se déroulait en direct. Ces musiciens pouvaient ainsi mettre en musique des dizaines de feuilletons de 15 minutes chaque jour. Lorsque de nombreuses émissions de radio ont été transférées à la télévision ou ont cessé d’être diffusées dans les années 1950, elles ont cessé de faire appel à des organistes en direct pour se tourner vers des disques provenant de services de musique d’archives.

Les émissions de radio qui n’étaient pas diffusées en direct via le réseau téléphonique dans les années 1930 et 1940 étaient enregistrées sur des disques de transcription. Il s’agissait de grands disques de 16 pouces, bien plus grands que ceux disponibles dans le commerce. Chaque semaine, les distributeurs produisaient, conditionnaient et expédiaient des milliers de ces disques fragiles aux stations locales à travers tout le pays. Les stations utilisaient alors des platines spécialement conçues pour ces disques. Avec l’arrivée de la bande magnétique, puis des systèmes de diffusion par câble et par satellite pour la télévision, cette activité de messagerie a disparu.

Entre 1894 et la fin des années 1910, les premiers films ne duraient qu’environ 10 à 15 minutes d’une bobine à l’autre ; il y avait donc quelques minutes pendant lesquelles le projectionniste installait la bobine suivante. Les « nickelodeons » engageaient des chanteurs de chansons illustrées pour divertir le public pendant ces pauses. Accompagnés par le pianiste de la salle, ils chantaient des chansons populaires tandis que les paroles, peintes sur des diapositives en verre, étaient projetées à l’écran. Lorsque les films sont devenus plus longs, puis que le cinéma parlant et la télévision ont fait leur apparition, ces pauses pour changer de bobine ont disparu, et ce métier est tombé en désuétude.

À l’époque du cinéma muet, il n’y avait pas de bande sonore ; les dialogues étaient donc présentés sous forme d’intertitres (cartons) placés entre les plans. De 1913 à 1928, les studios du monde entier employaient des dessinateurs d’intertitres et des calligraphes pour écrire à la main chaque réplique, et parfois ajouter des bordures artistiques ou des détails illustratifs afin de créer une ambiance. Quelques auteurs d’intertitres ont été crédités au générique. Lorsque le cinéma parlant a fait son apparition en 1927 avec « Le Chanteur de jazz », les intertitres sont devenus pratiquement obsolètes. Ce métier a donc disparu bien avant l’invention de la télévision.

À New York, Chicago et Hollywood, bon nombre d’acteurs de radio se contentaient de leur seule voix, lisant un script et incarnant plusieurs personnages par jour en variant le ton, l’accent et l’âge apparent. Lorsque la télévision a pris le relais en matière de fiction, les acteurs qui n’avaient ni un visage photogénique ni d’expérience préalable dans le métier se sont retrouvés sans emploi. Certains, mais certainement pas tous, ont eu du mal à faire la transition vers le jeu devant la caméra. Ce chapitre s’est définitivement clos le 30 septembre 1962, lorsque CBS a diffusé le dernier épisode de « Suspense » et de « Yours Truly, Johnny Dollar ».

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